Categoría: La película

LA CHICA DANESA

En la Dinamarca de principios del siglo pasado, el pintor Einar Wegener vivía con su mujer, la también pintora Gerda Wegener. Un día, ante la ausencia de su modelo, Gerda le pide a su marido que se vista con sus ropas y le haga de modelo. El tacto sedoso de las prendas despierta en Einar sensaciones y sentimientos reprimidos durante años. La apariencia, la broma, se prolonga asistiendo a una fiesta con ropas de mujer, y bajo el nombre de Lili. Así, lo que comenzó como un juego llevó a Einar a convertirse en la primera persona en operarse para cambiar su sexo.

{xtypo_rounded3}Reino Unido-Bélgica-Estados Unidos, 2015 (119′)
Título original: The Danish girl
Dirección: Tom Hopper.
Producción: Tim Bevan, Eric Fellner, Anne Harrison, Tom Hopper, Gail Mutrux.
Guión: Lucinda Coxon, basado en la novela de David Ebershoff.
Fotografía: Danny Cohen.
Música: Alexandre Desplat.
Montaje: Melanie Oliver.
Intérpretes: Eddie Redmayne (Einar Wegener / Lili Elbe), Alicia Vikander (Gerda Wegener), Amber Howard (Ulla), Adrian Schiller (Rasmussen), Emerald Fenell (Elsa), Henry Pettigrew (Niels), Ben Whishaw (Henrik), Matthias Schoenaerts (Hans Axgil), Sebastian Koch (Dr Warnekros).{/xtypo_rounded3}

Tom Hopper, que ganó el Oscar con su anterior película, aquella El discurso del rey, patina esta vez de forma considerable al mostrar una historia que debía ser tremendamente transgresora de modo excesivamente académico, centrándose en el aspecto visual y pictórico de la historia. Planos bellos, tratamiento de tonos pastel, todo muy suave y asequible para que llegue al mayor número posible de espectadores.

El problema está ahí, Hopper quiere quedar tan bien que todo suena a artificioso. Y, lo que es peor, aburre. Aburre mucho. Y ello a pesar de (o motivado por, que tampoco está claro) que en la primera media hora se cuenta mucho y de modo atropellado. Después se estanca, la historia se detiene y se recrea. Y en la parte final, de nuevo se acelera y se aturulla. Esta arritmia te saca de una película en la que nunca se llega a entrar. Entre otras cosas porque no entra en temas fundamentales, como el porqué Einar deja la pintura (que es su vida) y se pone a trabajar en unos grandes almacenes cuando se ha convertido en Lili. Simplemente ocurre.

No obstante, la cinta tiene cuatro nominaciones a los Oscar. Vestuario (en la que es la segunda nominación para el español Paco Delgado), diseño de producción, actriz de reparto (Alicia Vikander) y actor (Eddie Redmayne, que ya lo ganó el año pasado por La teoría del todo).

Si bien es este la estrella, lo cierto es que su actuación resulta amanerada, excesiva, forzada, para nada realista. Por el contrario, Alicia Vikander (que lleva ya varias grandes actuaciones consecutivas) realiza una interpretación contenida, delicada, en la que se come con patatas a su compañero de reparto. Ella sí que está fantástica.

LEGEND

Se sienta uno en la sala a ver esta Legend de Brian Helgeland, y no le queda más remedio que preguntarse ‘¿Dónde diablos está el Helgeland que escribió películas como L.A. Confidential o Mystic River?’. Y es que esta historia, basada en hechos reales, y que ya se contó anteriormente en otra película en los años 90, tiene un guión torpe e inestable, y una dirección deslabazada, con malas decisiones (o inexplicables) que dan como resultado una cinta lenta y aburrida que se sustenta únicamente en el trabajo de su protagonista, un magnífico Tom Hardy que, por otro lado, da una de cal y una de arena.

{xtypo_rounded3}Reino Unido-Francia, 2015 (132′)
Título original: Legend. Escrita y dirigida por: Brian Helgeland. Producción: bs. Fotografía: Dick Pope. Música: Carter Burwell. Montaje: df. Intérpretes: Tom Hardy (Reggie Kray / Ronald Kray), Emily Browning (Frances Shea), Christopher Eccleston (Nipper), David Thewlis (Leslie Payne), Chazz Palminteri (Angelo Bruno), Tara Fitzgerald (Sra. Shea), Taron Egerton (Mad Teddy Smith), Duffy (Timi Yuro), Colin Morgan (Frank Shea), Joshua Hill (Constable Scott), Paul Anderson (Albert Donoghue), Millie Brady (Joan Collins).{/xtypo_rounded3}

Legend se centra en la historia de los hermanos Kray, quienes en los años sesenta del siglo pasado se convirtieron en los dueños del hampa londinense.

Helgeland se ve metido en un quiero y no puedo. Quiere ser como Scorsese, pero no es (evidentemente) Scorsese. Hay decisiones narrativas que ni están justificadas, ni tienen sentido, ni (lo que es aún peor) funcionan. Porque si fuesen efectivas y tuviesen resultado, poco importaría que no viniesen a cuento. Pero no es así.

Tom Hardy, que interpreta a los dos hermanos gemelos, ofrece un buen trabajo en su parte de Reg, el seductor que quiere convertirse en una persona decente, pero en muchos momentos roza el ridículo y la parodia en el papel de Ron, el hermano impredecible y con serios problemas psíquicos. Sin embargo, está muy por encima del resto del reparto.

La recreación (visual y estética) de la época en la que transcurre la historia, tanto en sus calles como en los clubes que los Kray regentaban, es prácticamente impecable. Pero ello no viene acompañado de una recreación histórica de los hechos (no se percibe el escándalo que los Kray representaron, cómo eran percibidos fuera de su barrio, y muy poco por la policía).

Tampoco termina de ver uno el sentido de esa voz en off que cuenta la historia, que entra y sale de ella de modo arbitrario (ni que decir de la elección del narrador). Además, Helgeland no parece saber cómo contar la historia y todo aparece embrollado, narrado de forma incoherente, sin que las diferentes secuencias tengan una mínima continuidad (parece más una sucesión de momentos) y sin que el arco narrativo avance. Dando al resultado final un todo muy confuso, incoherente y aburrido. Muy aburrido.

JOY

Todavía lejos de las nueve películas que rodaron juntos Katherine Hepburn y Spencer Tracy, Jennifer Lawrence y Bradley Cooper coinciden por cuarta vez (la tercera bajo las órdenes de David O. Russell) en la gran pantalla (igualando así a otras parejas icónicas (aunque tan diferentes) como Humphrey Bogart y Lauren Bacall o Tom Hanks y Meg Ryan.

{xtypo_rounded3}Estados Unidos, 2015 (124′)
Escrita y dirigida: David O. Russell.
Producción: John Davis, Megan Ellison, Jonathan Gordon, Ken Mok, David O. Russell.
Fotografía: Linus Sandgren.
Música: David Campbell, West Dylan Thordson.
Montaje: Alan Baumgartem, Jay Cassidy, Tom Cross, Christopher Tellefsen..
Intérpretes: Jennifer Lawrence (Joy), Robert de Niro (Rudy), Bradley Cooper (Neil Walker), Edgar Ramírez (Tony), Diane Ladd (Mimi), Virginia Madsen (Terry), Isabella Rossellini (Trudy), Dascha Polanco (Jackie), Elisabeth Röhm (Peggy), Susan Lucci (Danica), Laura Wright (Clarinda), Jimmy Jean-Louis (Touissant).{/xtypo_rounded3}

En esta ocasión, Russell se basa libremente en la vida de Joy Mangano, una joven y humilde trabajadora de Long Island que a principios de los noventa del siglo pasado llegó a convertirse en una estrella de los canales de teletienda y en una poderosa empresaria gracias a sus múltiples inventos de productos del hogar.

El director parece no encontrar el tono preciso, y se dedica a ir dando bandazos en una historia que se apoya casi únicamente en la interpretación de Jennifer Lawrence. La actriz (una vez más, mucho más joven de lo que el papel requiere) es, de modo indiscutible, la estrella de la función. Está camino de conseguir su cuarta nominación al Oscar con este papel (que gane la que sería su segunda estatuilla ya es bastante más difícil). Frente a ella, el resto del reparto resulta forzado, y poco pueden hacer con unos personajes lineales, insípidos y en muchos momentos aburridos.

La película parece ser más una suma de momentos que un todo. El resultado global deja bastante que desear y da la sensación de no estar acabada, de haberse quedado a mitad de camino. Muy irregular y forzada en gran parte de su metraje, está lejos de ese ambiente de improvisación que estaba presente en las anteriores cintas de Russell. El aire de ‘cuento de hadas’ de que los sueños se consiguen si se persiguen (y en el que prácticamente todos los personajes acaban bien) no termina de convencer. Definitivamente, esta Joy no es el mejor trabajo del director, un producto en el que solo resalta (que no brilla) Jennifer Lawrence. Y poco más.

EL DESAFIO

Basado en hechos reales, El desafío se centra en la historia que el funambulista francés Philippe Petit cuenta en sus memorias, sobre el reto nunca antes realizado de recorrer sobre un cable el espacio que separaba las Torres Gemelas de Nueva York. Hecho que ya se contó en un documental británico de 2008 que arrasó allá por donde pasó y que incluso se llevó el Oscar al mejor documental del año.

{xtypo_rounded3}Estados Unidos, 2015 (123′)
Título original: The walk.
Dirección: Robert Zemeckis.
Producción: Steve Starkey, Robert Zemeckis, Jack Rapke.
Guión: Robert Zemeckis, Christopher Browne, basado en el libro de Philippe Petit.
Fotografía: Dariusz Wolski.
Música: Alan Silvestri.
Montaje: Jeremiah O’Driscoll.
Intérpretes: Joseph Gordon-Levitt (Philippe Petit), Ben Kingsley (Papa Rudy), Charlotte Le Bon (Annie), James Badge Dale (Jean-Pierre), Clément Sibony (Jean Louis), César Domboy (Jeff/Jean François), Benedict Samuel (David), Ben Schwartz (Albert), Steve Valentine (Barry Greenhouse).{/xtypo_rounded3}

Ello implica que no cuenta nada nuevo. Lo cual solo nos dejaba la esperanza de que la novedad estuviese en el cómo se cuenta. Pero tampoco ocurre así. Robert Zemeckis (que tiene una trayectoria contrastada, a pesar de que no haya hecho nada relevante desde Naúfrago) lleva años dirigiendo con el piloto automático, utilizando clichés y dando la sensación (muy frecuente) de ‘déjà vu’. 

En esta El desafío, como la trama principal (el sueño loco de un funambulista autodidacta de cruzar sin permiso dos edificios a más de cuatrocientos metros de altura) tampoco daba para mucho metraje, se añade el período de aprendizaje, la preparación del proyecto, una manida historia de amor, y es a la hora y media de película cuando ya se emprende el proyecto que da título a la cinta y que llevan mencionando desde el principio.

Pero a esas alturas uno ya está aburrido. Cierto que esas imágenes dan vértigo, que angustian y agobian, pero no consiguen que la película sobresalga en nada más allá del aspecto visual (a estas alturas, en la que ya estamos conociendo todos los premios de la temporada cinéfila que se cierra con el año, únicamente ha conseguido dos nominaciones a los mejores efectos especiales). El resto suena a ya visto (el mismo tipo de imágenes acompañado del mismo tipo de melodías, las mismas estructuras, la misma planificación…).

Aunque, más allá de la parte romántica, del tono de acción (muy diluido), de la historia real de un sueño, si hay algo que tiene El desafío, es ser un homenaje (la frase y plano final es tan evidente que resulta hasta zafio) a las Torres Gemelas, con cuyas imágenes se recrea sin descanso Zemeckis.

STAR WARS. EL DESPERTAR DE LA FUERZA

Era indudablemente la película más esperada del año. Y mucho más desde que se supo, hace ya bastante, que la Disney (que se había hecho con la franquicia) había fichado a J. J. Abrams para que se pusiese tras la cámara en el inicio de esta, la tercera trilogía de la saga, la que va a cerrar la serie más exitosa de la historia del cine, para hacerla resurgir de sus cenizas. La primera de estas trilogías había dejado el listón muy alto (a pesar de sus peros), y la segunda, a finales de los noventa, había sido decepcionante (el insufrible Jar Jar Binks ayudó a crear más enemigos que fieles a la saga, y eso que solo apareció en la primera entrega). Por ello, las expectativas creadas eran muy altas, sobre todo después de haber visto cómo Abrams reflotaba la saga Star Trek (que se llevó años perdida en el lado oscuro) e incluso la de Misión: Imposible (después de que John Woo la hundiera irremisiblemente).

{xtypo_rounded3}Estados Unidos, 2015 (135′)
Título original: Star Wars. The Force awakens.
Dirección: J. J. Abrams.
Producción: . J. Abrams, Bryan Burk, Kathleen Kennedy. 
Guión: Lawrence Kasdan, J. J. Abrams, Michael Ardnt. 
Fotografía: Daniel Mindel.
Música: John Williams.
Montaje: Maryann Brandon, Mary Jo Markey.
Intérpretes: Daisy Ridley (Rey), John Boyega (Finn), Adam Driver (Kylo Ren), Harrison Ford (Han Solo), Carrie Fisher (Princesa Leia), Oscar Isaac (Poe Dameron), Lupita Nyong’o (Maz Kanata), Andy Serkis (Líder Supremo Snoke), Domhnall Gleeson (General Hux), Mark Hamill (Luke Skywalker).{/xtypo_rounded3}

¿Y cumple las expectativas creadas? Sí y no. A diferencia de lo que ocurrió con las sagas anteriormente nombradas, aquí Abrams no se ha querido arriesgar y reformular las bases ya establecidas. En cambio, ha vuelto a los orígenes, a los elementos que tan bien funcionaron en la trilogía original, hace ya casi treinta años. Es más, el argumento, a grandes rasgos, es muy parecido, llegando a tener secuencias casi idénticas. De hecho, los mejores momentos se logran con la presencia de los protagonistas clásicos (desde Han Solo a Leia y Luke Skywalker, desde C3PO y R2D2 a Chewbacca)… ¡¡¡Si hasta regresa el Halcón Milenario!!! 

Aunque la protagonista de esta trilogía (en la que no va a seguir Abrams, por cierto) es Rey (una fantástica Daisy Ridley), cuya trayectoria vamos a seguir en esta trilogía final y que será la que (es una elucubración personal, aunque no es nada descabellado pensarlo) en la próxima entrega oiga esas famosas palabras por parte de otro personaje clave de la historia: “Yo soy tu padre”. Aunque claro, aquí la sorpresa no existiría, porque es más que evidente después de esta El despertar de la fuerza.

Lo cierto es que, aunque la historia te atrapa, que está bien contada, bien rodada, y los efectos especiales son magníficos, es demasiado predecible. Y todo lo contrario. Me explico: aunque las relaciones entre los personajes, lo que les va a ocurrir a ellos se ve venir desde lejos, en lo que se refiere al contexto hay lagunas considerables, temas que no se explican y que tenemos que imaginar: de dónde ha salido esa Primera Orden ni sus líderes, si la República procede del antiguo Imperio, ni qué pinta esa Resistencia (cuando ya hay dos poderes opuestos entre sí)…

A su favor también esos toques de humor que se mantienen a lo largo de todo el metraje. Muy disfrutable, pero no es la maravilla que algunos dicen.

EL CUENTO DE LOS CUENTOS

Matteo Garrone pasó por Sevilla y la sección oficial de su festival hace un mes con esta película, la primera que ha rodado en inglés y con un reparto de renombre (Salma Hayek, Toby Jones, John C. Reilly, Vincent Cassel…). Era la tercera vez que participaba en el certamen, tras Gomorra y Reality, con las que consiguió el Premio Especial del Jurado en ambas ocasiones. Esta vez se ha ido de vacío, a pesar de que la lógica apuntaba a que uno de los premios técnicos iba a ir para ella.

{xtypo_rounded3}Italia-Francia-Reino Unido, 2015 (125′)
Título original: Il racconto dei racconti.
Dirección: Matteo Garrone.
Producción: Matteo Garrone, Anne Labadie, Jean Labadie, Jeremy Thomas.
Guión: Edoardo Albinati, Ugo Chiti, Matteo Garrone, Massimo Gaudioso, basado en el libro de Gianbattista Basile.
Fotografía: Peter Suschitzky.
Música: Alexandre Desplat.
Montaje: Marco Spoletini.
Intérpretes: Salma Hayek (Reina de Longtrellis), Vincent Cassel (Rey de Stroncliff), Toby Jones (Rey de Highhills), John C. Reilly (Rey de Longtrellis), Shirley Henderson (Imma), Hayley Carmichael (Dora), Bebe Cave (Viola), Stacy Martin (Dora joven), Christian Lees (Elias), Jonah Lees (Jonah), Laura Pizzirani (Madre de Jonah), Jessie Cave (Fenizia), Alba Rohrwacher (Propietaria del circo).{/xtypo_rounded3}

El italiano ha adaptado de manera muy libre el libro homónimo de Giambattista Basile, autor del siglo XVI de lo que hoy llamamos relatos cortos, pero que entonces eran cuentos, cuando los cuentos no eran sinónimos de historias infantiles. Este fue el primer libro de cuentos, anterior incluso al de los hermanos Grimm, antes de que se convirtiesen en cuentos de hadas. Garrone ha elegido tres de ellas, historias independientes, aunque conectadas en un par de momentos a lo largo del metraje. 

Las historias se desarrollan en tres reinos vecinos. La reina de Longtrellis busca desesperadamente quedar embarazada, y acepta la propuesta de un misterioso hechicero. El deseo que se despierta en el rey de Strongcliff al oír la voz de lo que él cree que es una bella aldeana. La obsesión del rey de Highhills por una pulga descomunal, que le llevan a romper el corazón de su propia hija.

Las tres historias comparten el estar protagonizadas por mujeres fuertes y de gran carácter (Salma Hayek en la primera, Stacy Martin y Shirley Henderson en la segunda, y Bebe Cave en la tercera), así como una gran inventiva y potencia visual en todas ellas, con influencia reconocida de los Caprichos de Goya, con escenas donde la violencia y la crudeza no se desdeñan en ningún momento. Es aquí, en el aspecto estético, donde la cinta tiene su punto fuerte, donde enamora y atrapa casi desde el primer momento, pero en la narrativa presenta altibajos en su ritmo, con escenas que se alargan innecesariamente y una mezcla de estilos que se ve extraña, por la dificultad de equilibrar lo trágico y lo cómico que ya estaban presentes en el texto de Basile.

EL PUENTE DE LOS ESPÍAS

Steven Spielberg, aquel que (casi) siempre es sinónimo de buen cine, uno de los directores más clásicos en su estilo de los que actualmente siguen en pie de guerra, regresa a la dirección. Y eso siempre es una buena noticia. Lo hace, además, acompañado del que es su actor fetiche, un Tom Hanks con el que es la cuarta vez que colabora.

{xtypo_rounded4}Estados Unidos-India-Alemania, 2015 (141′)
Título original: Bridge of spies.
Director: Steven Spielberg.
Producción: Kristie Macosko Krieger, Marc Platt, Steven Spielberg.
Guión: Matt Charman, Joel Coen, Ethan Coen.
Fotografía: Janusz Kaminski.
Música: Thomas Newman.
Montaje: Michael Kahn.
Intérpretes: Tom Hanks (James B. Donovan), Mark Rylance (Rudolf Abel), Amy Ryan (Mary Donovan), Alan Alda (Thomas Waters Jr.), Scott Shepherd (Hoffman), Sebastian Koch (Wolfgang Vogel), Billy Magnuseen (Doug Forrester), Eve Hewson (Carol Donovan), Peter McRobbie (Allen Dulles), Austin Stowell (Francis Gary Powerl), Domenick Lombardozzi (Agente Blasco), Michael Gaston (Agente Williams).{/xtypo_rounded4}

El puente de los espías (película que cuenta con muy pocos espías, por cierto) tiene un arranque casi perfecto. Para esto se inventó el cine, para contar historias con imágenes, sin necesidad de que un texto o un narrador nos diga lo que está pasando. Y esta secuencia en la que apenas se habla, fantástica sin duda alguna, se presenta a ese personaje magnífico al que da vida con gran maestría Mark Rylance (que empieza a sonar como Oscar al actor de reparto).

En plena guerra fría, Rudolf Abel (Rylance) es detenido acusado de espiar para los rusos. Para mantener las apariencias, le pide al abogado James Donovan (Hank) que ejerza su defensa. A pesar de su convicción y su lucha por los derechos de cualquier inculpado, el resultado del juicio está decidido de antemano. Pero su buen trabajo, hace que la CIA le encargue a Donovan un trabajo delicado, negociar en Berlín (durante la construcción de su muro) la liberación de un piloto americano capturado por la Unión Soviética.

Hasta ahora, Spielberg había hecho dos tipos de películas (en lo que al tono se refiere). Hay en su filmografía cintas que tienen tono de comedia (aunque no lo sean del todo), y cintas serias en las que no había espacio para el humor. Ahora, por primera vez, se rompe esa especie de enfrentamiento. En ello tienen mucho que ver los hermanos Coen, cuya mano se deja ver claramente en el guión que han coescrito, con la inserción de grandes dosis de humor a lo largo de todo el metraje.

Película magnífica, excelentemente dirigida, en la que Spielberg demuestra su enorme talento, su capacidad de crear tensión y de hacer que mantengamos la atención con cualquier historia, por simple que parezca. Hanks y Rylance tienen momentos brillantes en sus escenas juntos en pantalla (el diálogo final en el puente del título) es magnífico. Y no podemos dejar de mencionar el enorme trabajo de Janusz Kaminski (habitual colaborador de Spielberg) en la fotografía del filme, creando dos atmósferas distintas, la luminosa América y la gris y fría Alemania tras el telón de acero. Otra cinta imperdible del rey Midas del cine.

THE ASSASSIN

Precedida del premio al mejor director en el Festival de Cannes (que no es moco de pavo), de haber recibido otros premios varios, de la preselección por Taiwan para competir en los Oscar y de figurar en varias de las listas (que ya están apareciendo) de las mejores películas del año, The Assassin es de esas cintas que o te enamoran desde un principio, o te aburren solemnemente.

{xtypo_rounded3}Taiwan-China-Hong Kong-Francia, 2015 (105′)
Título original: Nie yin niang.
Dirección: Hsiao-Hsien Hou.
Producción: Wen-Ying Huang.
Guión: Cheng Ah, Hsiao-Hsien Hou, Hai-Meng Hsieh.
Fotografía: Ping Bin Lee.
Música: Giong Lim.
Montaje: Chih-Chia Huang.
Intérpretes: Qi Shu, Chen Chang, Satochi Tsumabuki, Shao-Huai Chang, Nikki Hsin-Yin Hsieh, Ethan Juan, Zhen Yu Lei, Fang Mei, Jacques Picoux, Dahong Ni.{/xtypo_rounded3}

Y lo cierto es que ambas opciones son correctas, al menos en parte. La incuestionable belleza de sus imágenes, con planos milimétricos que enamoran y que te atrapan, convive con una narración excesivamente morosa, con secuencias inconexas (o aparentemente) en las que casi no pasa nada y en las que se explica poco. Lo que el veterano director Hsiao-Hsien Hou hace aquí con el wuxia, género exclusivo de la narrativa china sobre las artes marciales en la antigua China, es vaciarlo por completo, ya que apenas hay batallas, y además, la asesina del título no mata a nadie en todo el metraje. El director se dedica a la contemplación, a crear planos perfectos (ha tardado cinco años en preparar el filme), de una belleza inabarcable e incontestable. Pero poco más.

Con un formato visual casi televisivo (imagen cuadrada, frente a la pantalla completa a la que estamos habituados en el cine de hoy), y mezclando el blanco y negro (con el que comienza la historia) con el color, narra la historia de Nie Yinniang, una joven que regresa a casa tras años de ausencia en los que ha sido educada por una monja en las artes marciales, convirtiéndose en una justiciera cuya misión es asesinar a su propio primo, gobernador de la región de Weibo, del que años atrás estuvo enamorada.

Lo cierto es que su fotografía y su poderío visual son innegables. De hecho, es de las películas más bellas que se han visto en mucho tiempo. Pero su argumento es mínimo, si es que existe. La protagonista habla por primera vez a la hora y cuarto de metraje. Y ya no vuelve a abrir la boca ni para tomar aire.

Historia de amores imposibles, The Assassin tiene ciertos paralelismos con Tigre y dragón. Aunque es muy inferior a la obra maestra de Ang Lee.

Hace cuarenta años, Lily Tomlin debutó en el cine de la mano de Robert Altman en Nashville. Aquel primer papel le supuso su primera nominación a los Oscar. Desde entonces, a pesar de una extensa y considerablemente importante carrera, nada. Hasta ahora. Ya que esta Grandma, película pequeñísima, de ínfimo presupuesto y sin pretensión alguna, puede darle el premio. La candidatura ya es prácticamente un hecho, y las opciones de que finalmente sea la ganadora son cada vez mayores.

{xtypo_rounded3}Estados Unidos, 2015 (79′).
Título original: Grandma.
Escrita y dirigida por: Paul Weitz.
Producción: Terry Dougas, Paris Kasidokostas Latsis, Andrew Miano, Paul Weitz.
Fotografía: Tobias Datum.
Música: Joel P. West.
Montaje: Jon Corn.
Intérpretes: Lily Tomlin (Elle Reid), Julia Garner (Sage), Marcia Gay Harden (Judy), Judy Greer (Olivia), Laverne Cox (Deathy), Elizabeth Peña (Carla), Nat Wolff (Cam), Sam Elliott (Karl).{/xtypo_rounded3}

En plena carrera para los Oscar, en esta época del año en la que empiezan a llegar las películas que se llevarán todos los premios, nos llega esta muestra total de cine indie. Aunque, seamos sinceros, las probabilidades de que Grandma consiga alguna nominación más allá de la que conseguirá (casi con total seguridad) Lily Tomlin son escasas.

Elle acaba de romper con su novia Olivia cuando llega su nieta Sage. La joven necesita reunir con urgencia seiscientos dólares para esa misma tarde para solucionar un ‘problema’. Como la abuela Elle también está sin blanca en ese momento, ambas se pasan el día recorriendo la ciudad, visitando a viejos amigos y amores que terminan removiendo el pasado y sacando a la luz secretos casi olvidados.

Aunque es Lily Tomlin la que más destaca, no hay que olvidar al resto del reparto (casi eminentemente femenino), en el que también merecen mención Marcia Gay Harden, Judy Greer y un Sam Elliott que también suena como candidato al Oscar a mejor actor de reparto.

Película más compleja de lo que a primera vista podría parecer, la cinta de Weitz reflexiona sobre las relaciones intergeneracionales (los enfrentamientos entre abuela, madre e hija son patentes), y sobre lo que ganamos y lo que perdemos al hacernos mayores. Tiene momentos llenos de humor y ternura, aunque en su lado negativo habría que mencionar que en algunos momentos acude a ciertos clichés en el tratamiento de los personajes.

XII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA. SECCIÓN OFICIAL

El pasado sábado concluyó una edición más del Sevilla European Film Festival (SEFF), la número doce, y lo hizo de manera abrupta, con la suspensión de la gala de clausura y el previsto posterior concierto de Sophie Auster, en solidaridad con Francia por los atentados del día anterior.

En lo cinematográfico, el festival se saldó con un puñado de buenas películas, una sección oficial que mantuvo un buen nivel, y un (a ojo de quien esto firma) ligero descenso de público respecto a ediciones anteriores. No obstante, fueron numerosas las sesiones en las que se llegó al lleno, incluso con todo vendido desde casi dos semanas antes del certamen, sobre todo en determinadas películas (Mustang, Langosta…).

Esta última era uno de los platos fuertes de una extensa sección oficial (diecisiete filmes a concurso son muchos, sobre todo teniendo en cuenta que hay otras muchas secciones paralelas, hasta superar los doscientos títulos proyectados en estos nueve días). Y no decepcionó. Lo último del griego, cinta distópica sobre el terror a morir solo y el miedo a vivir en pareja. Dirigida por Yorgos Lanthimos, fue lo mejor de la sección oficial.

Destacables también fueron Rabin, the last day, de Amos Gitai, sobre el último día del presidente Isaac Rabin antes de su asesinato, fue Premio Especial del Jurado. La española La academia de las musas, de José Luis Guerin, ganadora del Giraldillo de Oro, empieza como documental, para girar a la ficción. Otro de los grandes nombres en el concurso, fue Marco Bellocchio, que sorprendió con Blood on my blood, una hipnótica cinta con dos historias enlazadas a través de los varios siglos que las separan. Otra cinta que mezcla dos historias, aunque contemporáneas, es la interesante Suite Armoricaine, donde los recuerdos tienen un peso importante. Y la lituana Peace to us in our dream, película semiautobiográfica que va de menos a más.

Matteo Garrone regresó por tercera vez a la sección oficial del SEFF con la visualmente arrolladora El cuento de los cuentos, revisión de las historias de Gianbattista Vasile. Madame Marguerite fue quizás la cinta más comercial del concurso, donde Catherine Frot realiza un trabajo soberbio. Sin embargo, no fue ella la que se alzó con el premio a mejor actriz, sino Clotilde Coureau, por su papel en In the shadow of women. Por su lado, el rumano Teodor Corban se llevó el de mejor actor por One floor below (cinta sobre la culpa que también se llevó el premio al mejor guión). De vacío se fueron las interesantes (cada una a su modo) O futebol y The childhood of a leader, que tiene el comienzo más demoledor de toda la sección oficial.

Otra que se fue sin premio (esta de modo merecido) fue la cinta rusa Under electric clouds, que provocaba salidas en masa de un público aburrido. Y la cinta inaugural, Two friends, dirigida por Philippe Garrel, hijo de Louis Garrel, que también estaba en la sección oficial, con la ya mencionada In the shadow of women.

Por último, mencionar las otras dos cintas presentes en el concurso, premiadas ambas. Por un lado, The other side, documental sobre drogadictos y adictos a las armas (que ya hemos visto mil veces), rodado por Roberto Minervini en Louisiana (EEUU) y que se llevó los premios a mejor director y mejor fotografía. Por otro, Las mil y una noches, trilogía larga y en la que destacan solo algunos momentos puntuales, donde el portugués Miguel Gomes traslada el estilo narrativo del clásico de la literatura para mostrar los estragos de la crisis en Portugal. Inesperadamente se llevó el Giraldillo de Plata.